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Only God Forgives : Affiche

Only God Forgives est un film écrit et réalisé par Nicolas Winding Refn (Drive) avec Ryan Gosling (Crazy, Stupid, Love) et Kristin Scott Thomas (Le Patient Anglais)

À Bangkok, Julian dirige un club de boxe thaïlandaise servant de couverture au trafic de drogue familial. Sa mère débarque des États-Unis afin de rapatrier le corps de son fils préféré, Billy : le frère de Julian vient en effet de se faire tuer pour avoir sauvagement massacré une jeune prostituée. Ivre de rage et de vengeance, elle exige de Julian la tête des meurtriers. Julian devra alors affronter Chan, un étrange policier à la retraite, adulé par les autres flics…

Voilà un film que j’ai fait trainé avant de le regarder. La faute aux mauvaises critiques qui ont jalonné la carrière du film depuis sa présentation à Cannes en 2013. « Simple », « idiot », « sans scénario », « vide », « chiant »… Il faut dire aussi qu’après le coup de massue qu’avait asséné Drive, les gens devaient attendre autre chose du duo Refn/Gosling. Sauf que Drive n’était pas un scénario de Refn, et que si ce dernier s’est vu offrir des ponts d’or, il a préféré finir un film qui le hantait : Only God Forgives.

Only God Forgives : Photo Ryan Gosling

Et je comprends le sentiment des gens qui tomberaient sur ce film avec l’espoir de voir un film à la Drive. Car c’est un film de Nicolas Winding Refn et sa filmographie loin du formatage hollywoodien est difficile à appréhender. Pourquoi ? Parce que Refn, inspiré par Scorsese et Jodorowsky, est un réalisateur qui implique dans la nature même de ses cadrages, compositions et choix de couleurs des éléments narratifs.

Pour mémoire, je vous invite d’abord à consulter cette vidéo très bien faite expliquant des logiques de cadrages sur Drive, ce qui devrait vous aider à saisir le style « Refn » :

Une fois que vous commencez à appréhender ce genre de techniques quand vous regardez un (bon) film, vous saisissez des non-dits du scénario. Aussi un scénario qui pourrait vous paraître creux ne l’est peut-être pas autant que vous le croyez… Et un personnage qui ne parle pas ne veut pas forcément dire qu’il n’a rien à dire…

Cette longue introduction étant faite, passons au coeur du sujet : Only God Forgives est en vérité un excellent film, et ne méritait absolument pas de se faire siffler à Cannes ! Attention, spoilers ! Donc allez voir le film avant !

La charmante Yayaying Rhatha Phongam qui joue la prostituée vous offre une chance supplémentaire de vous détourner des spoilers à venir !

Beaucoup ont reproché à Refn d’avoir dirigé Gosling de la même façon que dans Drive, en mode taciturne. Sauf que les deux personnages sont diamétralement opposés dans leur caractérisation. Le driver était un personnage très westernien, dont le silence reflète son contrôle sur l’environnement et sa puissance. Au contraire, le personnage de Julian est silencieux pour caractériser son impuissance et son vide intérieur.

Il apparait clair dans les dernières minutes du film que Julian, sous ordre de sa mère, est le meurtrier de son père et que c’est ce qu’il l’a poussé à quitter l’Amérique pour se réfugier à Bangkok. Et depuis, il est hanté par ce meurtre et cherche à la fois un sens à sa vie (un Dieu, une religion, quelque chose à laquelle se racrocher) et une rédemption pour son acte.

De nombreux plans du film sont consacrés aux mains, de façon très littérale avec des plans en vue subjective. Les mains de Julian représente indubitablement ce qui le hante au quotidien : le meurtre de son père. C’est la raison pour laquelle il n’arrive pas à les fermer, pour laquelle, il voit du sang sortir du robinet quand il se les lave… Ses mains sont vectrices de mort et il n’arrive pas à vivre avec. Mai la prostituée les attachent pendant qu’elle se masturbe. Au fond du fond, la culpabilité du héros est enfouie dans ses mains.

Aussi quand la scène finale arrive, avec Julian qui offre ses mains à Chan – que cette scène soit réelle ou non (personnellement, je ne pense pas) – il accepte la rédemption et de se libérer de la culpabilité qui le rongeait (car au fond, Julian est un type « bien » avec un sens aigu de la justice comme le prouvent ses choix hors de l’influence de sa mère).

Only God Forgives : Photo Kristin Scott Thomas

Cette « libération » fait suite à la découverte du corps sans vie de sa mère. Jouée par une Kristin Scott Thomas méconnaissable en Donna Versace du crime, la mère castratrice avait tellement d’emprise sur lui (je vous rappelle cette scène complètement folle au restaurant avec Mai et Julian où elle compare les tailles de bites de ses enfants…) que sa mort libère le protagoniste. Cette libération n’intervient qu’après une scène hallucinante où le héros découpe le bide du cadavre de sa mère pour y plonger la main… rappelant par la même la scène où il plonge la main dans l’intimité de Mai et le fait que sa mère entretenait des rapports incestueux avec ses deux enfants…

Only Gods Forgives, c’est un mythe d’Oedipe en trash.

Only God Forgives : Photo Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm

Disais-je plus haut, Julian offre ses mains à Chan, dans une scène mystique au milieu de la forêt. Chan représente donc la finalité de la recherche de Julian : Dieu. Et Julian va le reconnaître comme tel.

  • Quand il s’empare du sabre dans la maison de Chan, c’est comme s’il s’emparait d’une relique sacrée, de la symbolique du pouvoir de Chan (celle avec laquelle il rend son jugement) (et c’est avec cette arme que Julian tue symboliquement sa mère dans cette fameuse scène finale). L’arme étant un katana, il y a bien évidemment un symbole phallique évident, faisant de Chan une figure paternelle de substition…
  • Quand Julian défie Chan en combat, on retrouve la symbolique de l’homme qui se rebelle contre Dieu, ou veut le tester pour tester sa foi. Julian, même si on le dit mauvais boxeur, se fait littéralement défoncé la tronche, appuyant ainsi la « toute puissance » de Chan.
  • En dehors du châtiment punitif qu’il inflige à ses ennemis (mort, amputation, crucifixion ou pardon dans le cas du père qui à un fils handicapé), Chan est vénéré par ses anciens collègues policiers et possède une espèce de don de pré-science divin qui lui sauve la vie dans le restaurant, lui permet de retrouver son assassin dans les rues de Bangkok (et sûrement de prévoir les mouvements dans son combat contre Julian).
  • Chan c’est aussi le personnage qui disparait comme par magie quand Julian le traque…

Bref, Only God Forgives, c’est ni plus ni moins qu’un film sur un malfrat qui cherche une forme de rédemption dans la religion et à se libérer de sa mère

Only God Forgives : Photo Ryan Gosling

Tout ce propos du film est appuyé par les choix de lumière et de cadrage de Refn, notez l’utilisation démente des lumières, noirs et clairs-obscurs pour composer ses cadres, quitte à les rétrécir… Refn a produit un film « stylé », épuré dans sa narration. Ses choix de lieux de tournage dans la capitale thaïlandaise sont pertinents aussi pour la caractérisation des personnages :

  • Chan, la petite maison de banlieue toute simple
  • La mère, la suite d’un luxueux palace
  • Le hitman, un bar à hotesses rococco
  • Julian, la salle de boxe (donc sa mère) et la maison de passe (donc Mai), reflétant le poids de son passé et son désir d’avenir

Notons qu’il a fait une fois de plus appel à Cliff Martinez pour la musique et que celle-ci renforce le mythe insufflé par les silences et non-dits.

Only God Forgives est un film qui a laissé pas mal de monde sur le carreau, la plupart s’attendant à autre chose que le contenu réel du film. Pourtant, Nicolas Winding Refn a pondu une oeuvre authentique, viscérale et personnelle qui – que vous aimiez ou détestez – ne laisse pas indifférent. Pour moi, c’est un excellent film qui démontre une fois de plus que le cinéma est un médium visuel et que même minimaliste sur la forme, il n’est pas dénué de propos ni d’histoire. Un film à voir !

Vous avez noté ? Dans la bande-annonce, le plan où Julian pointe un flingue sur celui qui va tuer la fille de Chan, tout son corps est découpé dans l’encadrement de porte. Sauf la main qui porte le flingue. Cette main ne se sent pas coupable de tuer pour appliquer la justice… Alala, il y aurait tant à dire sur ce film et la réalistion de Refn de façon générale !

Dans l’épisode précédent…

De retour au Palais Bleu, le balai à la main, je me rends donc dans l’aile Pelagius. Je confirme que personne n’y a foutu les pieds depuis des lustres, c’est plein de toiles d’araignées et de bordel. A croire que personne ne leur a dit qu’il fallait couvrir les meubles pour les protéger de la poussière. La bonne nouvelle dans l’histoire, c’est que je ne suis pas tombé sur des givrépeires. En général, quand il y a des toiles d’araignée, il y a toujours au moins une de ces saloperies d’arachnides qui traînent au plafond. Parfois, elles traînent suffisamment longtemps pour que j’ai le temps de les dégommer avant qu’elles descendent.

La mauvaise nouvelle, c’est qu’il y a pas de fantômes. J’ai vite découvert qu’il y avait une rupture du continuum espace-temps vers une dimension parallèle contrôlée par un seigneur daedra. Je suppose que « fantôme » fera l’affaire quand j’expliquerai aux bas du front qui régissent ce palais que j’ai résolu leur problème…

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Le taulier de la dimension en question s’appelle Shéogorath, a.k.a. le prince de la folie, a.k.a. « je n’aurais jamais une discussion sensée avec qui que ce soit ». Bref, j’interromps le bonhomme en plein banquet avec Pelagius lui-même qui ne demande rien d’autres que le repos éternel. Sur ce, n’ayant rien de mieux à faire, Shéogorath me mets au défi de sortir de la folie de Pelagius en résolvant ses peurs intimes qui le tourmentent et donnent une excuse aux femmes de ménage du Palais Bleu pour ne pas en branler une. Le dieu me file donc un bâton (encore !) et me dit de me débrouiller. J’ai beau soupiré et dire que les traumas de l’enfance, les complexes d’Oedipe et autres névroses de Pelagius m’en touchent une sans faire bouger l’autre, je suis tout de même coincé ici parce que – comme tous les dieux – Shéogorath se fait passablement chier et préfère s’en prendre au seul Argonien de Bordeciel plutôt que de vaquer à des occupations de dieux comme déclencher des calamités sur le monde.

Me voilà donc à jouer d’un bâton pour résoudre des énigmes dignes d’un gosse de 4 ans… J’ai torché cette affaire en 3 minutes, une par épreuve, au désespoir du taulier qui espérait que je reste à tailler une bavette avec lui une éternité. Je gage que pour le QI d’un nordique moyen faire grandir Pelagius et changer des loups en chèvres auraient pu prendre du temps, mais j’étais pressé. Mon journal de quêtes était encore loin d’être vide. Comme avec Sam, Shéogorath me refile « en cadeau » son bâton idiot qui peut aussi bien me sauver la vie en combat que me téléporter sur un nuage. Sérieusement, si des daedras veulent se débarrasser de leurs encombrants, qu’ils les mettent à la cave ! L’aventurier de passage n’est pas leur poubelle ! Merci !

« Fantôme » du Palais Bleu : check

Tant que j’étais à régler les problèmes des daedras, j’en ai profité pour régler dans la foulée celui de Molag Bal dans la maison abandonnée de Markath. Il fallait que je ramène un prêtre gentil dans la maison. J’en ai trouvé un pas trop loin. Il se vantait de servir je-ne-sais-quelle-divinité et d’avoir une foi assez forte pour résister au côté obscur. Alors Molag Bal m’a filé sa masse pour que je le batte à mort et que le prêtre sympa se convertisse dans la foulée. Honnêtement, je pourrais faire tout un traité moral sur l’évangélisation, le fanatisme religieux et le pouvoir de conviction de celui qui possède la plus grosse massue mais, à la place, je suis allé pisser dans un violon. Et j’ai battu le prêtre à mort.

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Parce que quand un daedraqui a littéralement le droit de vie et de mort sur toi, y compris celui de t’enfermer dans une dimension parallèle en te racontant blague minable sur minable autour d’un banquet pour l’éternité, tu fermes ta gueule et tu fais ce qu’il te dit. Et puis ça lui a donné une leçon à cet idiot de prêtre : « c’est pas la peine de faire croire que t’as la plus grosse quand t’es pas capable de pisser dans le trou » comme dirait mon père. Je sais pas si ça s’applique particulièrement à ce cas-là, mais je trouve ça suffisamment profond pour le citer. L’autre morale que tous les crétins de Bordeciel devraient retenir est : « ARRÊTEZ DE ME FAIRE PERDRE MON TEMPS, BORDEL ! »

Pour avoir correctement servi Molag Bal, il m’a filé sa cochonnerie de masse parce que « aventurier = poubelle ». J’ai même plus envie de discuter : tant que je raye des trucs sur ma to-do list, ça me va, je vais ranger l’arme inutile dans un coffre d’une de mes nombreuses baraques et l’oublier de toute façon. Evitons de froisser les dieux susceptibles.

Tant que je suis dans la ville aux 1000 escaliers, autant en profiter pour gérer cette histoire de meurtre qui traîne depuis des lustres !

Blade Runner est un film qui, plus de trente ans après sa sortie, n’en finit pas d’attiser les débats et les esprits autour de ses thèmes et ses questions sans réponse. Il s’agit pour moi de l’un des films les plus brillants de la création et je ne me lasse ni de le revoir, ni d’en parler.

Pour mémoire, j’ai déjà expliqué en long, en large et en travers mon point de vue sur LA question qui enflamme les esprits : Deckard est-il un replicant ? Si ce n’est déjà fait, je vous invite à le lire ou le relire en préambule de cet article (ce qui vous permettra de vous remettre en mémoire les différents personnages : Deckard, Gaff et Rachel).

Aujourd’hui, nous allons nous intéresser à un élément central de la question susnommée : la licorne !

Pour mémoire encore, je vous propose de visionner la séquence onirique en question :

Pourquoi cette licorne est-elle au cœur du débat ? Parce qu’elle apparaît à la fin du film, sous forme d’origami laissé par Gaff. Parce qu’elle apparaît en rêve à Deckard dans une séquence qui, remise dans son contexte, n’a pas grand chose à voir avec la choucroute d’un film noir, de surcroît un film noir qui lorgne du côté du cyberpunk. Ce n’est qu’un plan éthéré de quelques secondes bien what-the-fuckesque, qui suivant son introduction ou pas dans le film change radicalement la donne de sa lecture globale. Car, oui, suivant les montages (5 officiels au total), la licorne apparaît ou disparaît du film.

L’origami de la licorne est présent dans le script originel du scénariste Hampton Fancher. La licorne qui court au ralenti crinière au vent, elle, ne l’est pas. L’ajout de la licorne est donc un ajout et une volonté du réalisateur Ridley Scott. (Cela dit en passant, la disparition du rêve de la licorne défendu bec et ongles par Scott est à mettre en premier lieu sur le dos des studios jugeant la séquence, je cite, « trop arty ». En d’autres termes, « le spectateur moyen il est con, faut pas trop lui en demander avec les plans sans intérêt ». Ce qui explique qu’il faille attendre la première Director’s Cut pour voir apparaître la licorne.)

D’un côté, nous avons Fancher qui dit avoir débuté l’écriture du film en pensant Deckard comme un humain mais a choisi de laisser l’interprétation finale de sa nature au spectateur. De l’autre, nous avons Scott qui ne sait jamais caché de dire que Deckard était un androïde. Si l’on brandit le scénario en s’établissant sur les faits, la balance penche du côté des pro-humains. Ceci dit, on aurait tort de baser son argumentation uniquement sur un point de détail qui apparaît ou disparaît suivant les montages.

Mais avant de s’attarder sur cette courte séquence, il convient de se poser une première question : pourquoi diable ce coquin de Gaff laisse-t-il une licorne en papier argenté à la fin ? Pourquoi ne laisse-t-il donc pas un bateau en papier plutôt ? C’est plus facile à faire et ça dit clairement « je vous laisse prendre le large tout pareil » me direz-vous.

Afin de mettre tout le monde d’accord et qu’on parte sur les mêmes bases, compte tenu du fait que l’origami de la licorne apparaît dans la scène où Deckard décide de s’enfuir avec Rachel, juste après que ce dernier lui ait rappelé « Too bad she won’t last », la licorne (au moins dans sa version papier) représente de façon plus qu’évidente le personnage de Rachel. J’en veux pour preuve définitive la croyance populaire que la licorne est un animal sauvage qui ne peut vivre qu’en forêt et dépérit en milieu urbain : quel est la dernière scène du script (l’endroit où Deckard emmène Rachel) ?

EXT. WOODS – DAY

Rappelons enfin que la licorne est en papier métal, ce qui se passe d’explications quant à son affiliation au replicant.

Et pour mieux comprendre pourquoi cet animal et non une cocotte en papier, il faut revenir sur les symboliques propres à la licorne (a fortiori les symboles occidentaux, plus proches de la culture « naturelle » du scénariste).

  1. La licorne représente la dualité et l’union des contraires, de part son aspect mi-cheval, mi-chèvre et re mi-cheval derrière mais aussi de part la torsade de sa corne. Elle présente la dualité de l’être, à cheval (sans mauvais jeu de mot) entre sa condition mécanique et ses aspirations humaines.
  2. D’après les légendes, seule une vierge peut approcher et toucher une licorne. De tous les qualificatifs qu’il est possible d’appliquer à Rachel, virginal est l’un des plus appropriés. Dans le même genre d’idées, la licorne est aussi symbole de pureté.
  3. Si l’on en croit certaines interprétations, la licorne est un animal « entre le ciel et la terre ». La position de sa corne, au niveau du troisième œil, est comme une projection verticale de celui-ci, un lien entre les forces telluriques et les forces cosmiques. Pour être plus explicite, un animal qui appelle à la transcendance vers le divin. Le divin, dans Blade Runner, c’est Tyrell : celui qui fabrique l’homme… les replicants. (La symbolique du divin est aussi une thématique du film qui mériterait un approfondissement)
  4. Toujours dans la symbolique divine et notamment chrétienne, la licorne représente la Vierge Marie fécondée par l’esprit Saint, puis par extension le Christ. Le fils de Dieu, Tyrell, dans le cas qui nous intéresse.
  5. La licorne est aussi un symbole d’amour, liant la pureté de la robe blanche à la femme (couleur souvent associé à la femme et à la lune (bien que cette dernière – suivant les religions – puisse représenter l’homme)) (rappelons encore que seule une femme peut approcher une licorne) et l’homme avec cet évident symbole phallique au milieu du front. La seule intrigue amoureuse du film (à l’exception notoire du couple Roy-Pris) lie Rachel et Deckard.
  6. La licorne, c’est aussi le symbole de l’exclusion, le cheval qui n’en est pas un. L’humaine qui n’en est pas une…

File:Domenichounicorndetail.jpg

Pour les pro-humains de la thèse Deckard, j’en profite pour leur donner un peu d’eau afin d’alimenter deux moulins:

  • La licorne est un animal mythique dont l’existence reste sujet à caution et appartient plus au domaine du fantasme qu’à la réalité. Rachel symbolise donc l’animal mythique de Tyrell, le replicant parfait, l’humain artificiel. De part sa nature unique et fantasmée, la licorne ne représente qu’une seule personne, qu’un seul répliquant qui s’ignorait. Rachel. Pas Deckard.
  • Si la licorne est bien l’union des contraires, elle ne symbolise non pas Rachel, mais Rachel ET Deckard. L’homme et la femme, l’humain et l’androïde.

Mais si Gaff connaît la véritable nature de Rachel (et Deckard, peu importe qu’il soit 100% humain ou pas d’ailleurs), quel est alors son dernier message ?

  • L’interprétation bisounours : Rachel est une licorne et doit retourner à son milieu naturel (les bois de la dernière scène), loin des hommes.
  • L’interprétation sectaire: L’androïde au milieu des Hommes, pour rappeler que la licorne symbolise l’exclusion. Par extension, Gaff avertit Deckard que quoi qu’il fasse, elle ne sera jamais comme lui et qu’il ne pourra pas vivre longtemps avec cette chimère. A cause de la date de péremption de Rachel ou, a contrario, dela vieillesse de Deckard qui ne pourra plus s’accorder à l’éternelle jeunesse de sa compagne puisque la date de péremption du modèle de Rachel n’a jamais été abordée voire même carrément supprimé si l’on en croit une ligne de script.
  • L’interprétation réaliste : Rachel est un fantasme. Un rêve. Et comme tous les rêves, il prendra fin de façon abrupte (« Too bad she won’t last »). Gaff sait que Deckard va récupérer et s’enfuir avec sa licorne, il lui rappelle simplement une dernière fois la dure réalité de sa condition « d’espèce disparue ».
  • L’interprétation chasseur : Si Gaff associe Rachel la replicante à une licorne, on peut alors rapprocher la traque de Deckard à l’une des nombreuses chasse à la licorne qui parsème Histoire. En laissant une licorne métallique à Deckard, Gaff lui envoie deux messages que je ne trouve pas dénué d’intérêt pour un épilogue : 1. Au cas où t’es pas au courant, Rachel est une androïde et 2. si tu te casses avec elle, la chasse reprend et c’est moi qui viens la chercher.

Là-dessus arrive le Final Cut, avec l’insertion du plan de la licorne tandis que Deckard joue du piano tandis qu’il est passablement bourré. La couche d’interprétations par dessus la couche d’interprétations relance le débat sur la véritable nature de Deckard et comment Gaff peut-il s’avoir que Deckard a eu cette vision de licorne pour faire à la fin un origami de licorne ? En d’autres termes, la symbolique de licorne se déplace(-rait) de Rachel à Deckard, lâchant la bombe Deckard = Replicant.

Et à ce propos, je rappelle la symbolique 4. sus-présentée

On voit plus un flash qu’un réel rêve. Mais même si ce n’est qu’un flash, qu’est-ce qui le déclenche ?

  • Rachel, et par une association d’idée, c’est une licorne et sa pureté qui lui sont renvoyés. (Oui, je mets toutes les interprétations bisounours que je trouve)
  • Lui-même, en quête d’une identité devant ses photos anachroniques. Il se pose de grandes questions métaphoriques sur sa propre existence comme la plupart des mecs bourrées ; il voit l’image de cheval mythique. Admettons. Si ma théorie Gaff = Deckard tient la route, il est logique de penser que Gaff a lui-même eu ces mêmes interrogations et qu’il a vu la même image, d’où son message à l’épilogue. C’est ainsi que j’aime analyser le Final Cut, alors que je crois sincèrement préférer le script sans ce plan pour laisser plus de latitude au spectateur de se faire sa petite masturbation intellectuelle sur les agissements de Gaff.
  • Le script de base fait clairement référence aux implants, ceux de Rachel. Dans le cadre de l’hypothèse Deckard = Replicant, l’explication la plus logique est d’associer le rêve de la licorne à un implant mémoriel (qu’il soit commun à tous les replicants, à cette génération, à ce modèle ou à cette mémoire en particulier pour justifier ma théorie Deckard = Gaff –  ce dernier ayant eu les mêmes visions pour être de la même « souche mémorielle »). D’un point de vue strictement technique, ça se tient et on pourrait s’en tenir là. Cela explique aussi pourquoi Gaff lui laisse un dernier message, façon « Tu sais. Je sais. Maintenant, tu sais que je sais » avec un très optionnel « Profites-en, ça va pas durer parce que 1. vous avez une durée de vie limitée ou plus probablement 2. je vais vous traquer ». Personnellement, je trouve plus intéressant de ne pas entériner l’idée de l’implant. Essentiellement parce que le rêve de la licorne est absent du script.
  • Rien de particulier. Et c’est ici que le film fait de la mise en abîme. La licorne est utilisée comme message subliminal. Deckard est en train de chasser des Replicants, c’est son boulot. Il est déchiré par l’alcool et c’est l’image d’une licorne qui arrive, indépendamment d’un implant ou quoi que ce soit. C’est une image, et Deckard (tout comme le spectateur) l’associe à ce qu’il vit : la déprime existentielle bourré suite à la traque de replicants (rappel : chasse au replicant = chasse à la licorne). A la fin du film, Gaff laisse une licorne métallique ; cette référence à la licorne s’intègre alors aux codes du film noir, celui où le traqueur (le flic borderline généralement) n’est pas réellement différent de celui qu’il traque (le méchant pas si méchant, même Roy). Deckard « rêvant » précédemment d’une licorne reçoit un message définitif sur sa propre condition (Rachel = replicant = licorne = Deckard), message qu’il accueille comme une demi-surprise avec ce bref hochement de tête en prenant la licorne.

Ceux qui veulent encore pousser l’analogie de la licorne comme avatar de Deckard peuvent s’appuyer sur la croyance populaire que seule une jeune femme vierge peut s’approcher et dompter une licorne. La vierge en question étant bien évidemment l’innocente Rachel.

On pourrait encore palabrer des heures sur cette licorne, pousser encore plus loin la psychanalyse de l’animal en toquant à la porte de Jung ou en remontant ses traces de sabots dans les différentes mythologies, mais on va se forcer à conclure en relançant le débat sans fin sur la nature de Deckard avec une autre interprétation de la théorie de la licorne :

Si appliquée au Replicant la licorne symbolise à la fois l’Amour et la Chasse, alors un humain est envoyé chasser des replicants et une replicante tombe amoureuse d’un humain. Mais si le replicant est envoyé chasser des replicant, si la replicante tombe amoureuse d’un répliquant, n’y a-t-il alors plus aucune dualité, donc plus aucun conflit ?

Blade Runner est une source intarissable de discussions et d’interrogations, un film qui mérite son statut culte et réserve peut-être encore de nombreux articles sur ce blog (symbolique de l’œil, des animaux, la représentation de Dieu, l’identité de soi, la mémoire…)

Et pas une seule fois on n’aura parlé de moi !

Cher Journal,

Si Deira est un quartier relativement pourri en soi (harcèlement des vendeurs, pas d’architecture sympa, magasins tape-à-l’œil bling-bling… Tiens un peu comme cette galerie des Champs-Elysées…), il y a tout de même un endroit préservé. Restauré et préservé pour être exact.

Ca tient sur un pâté de maisons qui propose un charme arabisant d’époque autour de l’école Al Ahmadiya. Vous y trouverez deux musées : l’Heritage House et Al Ahmadiya. Les deux sont gratuits, à entrée libre. Comme ma balade tirait sur sa fin, je n’ai visité que le second, laissant l’Héritage House pour un autre jour.

Al Ahmadiya est la toute première école de Dubaï. Fondée en 1912 par le Sheik Ahmed bin Dalmouk (un marchand de perles) en sa demeure, elle était d’abord réservée à une certaine élite (disons la caste supérieure) et ramenait de prestigieux professeurs de toute l’Arabie Saoudite. Gratuite puis payante à partir des années 20, on étudie surtout la vie du Prophète, le Coran et la loi islamique. On s’assoit en cercle sur des feuilles de palmiers autour du professeur et on écoute. Les étudiants sont divisés suivant leur âge et leurs facultés de mémorisation, les plus doués devenants souvent des maîtres pour les plus jeunes.

Quand le marché de la perle s’est cassé la gueule en 1932, l’école a fermé ses portes. Il faut attendre 1937 pour qu’elle rouvre sous l’impulsion du gouvernement, l’étage inférieur étant réservé à la scolarisation et le supérieur à la disposition des juges. Il faut attendre 1957 pour qu’on commence à introduire autre chose que de l’éducation religieuse (Anglais, Sciences, Sociologie). L’école n’a cessé de gagner en prospérité au point d’accueillir plus de 800 élèves en 1962, soit 21 classes.

L’école ferme ses portes en 1963, pour cause de surpopulation estudiantine et se voit délocalisée ailleurs. Reste le musée pour se donner une idée de l’éducation des petits dubaïotes dans la première moitié du 19ème siècle.

Pour le coup, il s’agit vraiment du premier bâtiment réellement dépaysant que j’ai eu l’occasion de voir et visiter à Dubaï. C’est peut-être un vestige du passé mais ça a déjà plus de gueule qu’un building haut de 30 étages !

A part ces musées et les souks du précédent article, on aura vite fait le tour de Deira et on s’empressera de retourner vers la station de métro Al Raz pour aller voir autre chose. Une après-midi suffit à se faire une idée de l’intérêt intrinsèque du quartier « historique » et de le cataloguer rapidement comme « sans charme ». 

A noter que j’ai également vu un hôtel 1 étoile. Je comprends pourquoi les guides touristiques recommandent de taper dans le 3 étoiles au minimum. Au regard de l’environnement et des gens qui attendaient dans le « lobby », on y loue visiblement des chambres très petites, partagées par au moins 5 personnes, assez bruyantes compte tenu du quartier… Le côté « maison de passe » n’est pas forcément volé.

Tous les dimanches, je mets en ligne une source d’inspiration pour l’écriture de mon roman Lithium Breed. Ca peut être une photographie, une chanson, une phrase… Par contre, je dis pas pourquoi ou pour quoi ça m’a parlé et la façon dont c’est digéré dans l’écriture : c’est juste pour le plaisir des yeux et/ou des oreilles (et vilement faire revenir les habitués aussi le dimanche !).

C’est parfaitement inutile, donc parfaitement  indispensable.

Aujourd’hui : Le Bouddhisme. J’en profite pour placer un habile rétrolien vers cet article